光着脚看艺术展是什么体验？在温州弘美术馆,一场以《妈妈 Mama》为名的展览正用独特的方式回应这个问题。观众脱鞋后赤脚踩在微凉的地面上，在光影与气味的交织中,触摸艺术家李怒构建的流动叙事，共同编织出一场关于归途与漂泊的感官之旅。

在互动中触摸流动的叙事

李怒，四川籍艺术家，英国皇家雕塑家协会成员，此次为他在温州举办的首次个展。走进展厅，脱鞋的“仪式”开启了这场观展之旅。与穿着鞋不同，在赤脚状态下，地板的触感从微凉渐至温润，让人行走节奏不自觉放缓——这是艺术家李怒设计的“身体重置”，“我希望大家能以最本真的状态开启‘流动’之旅。”李怒说。穿过序幕空间，暗黑甬道带来首个冲击。甬道内，白光不时像闪电般炸开，刺得人眯眼；空气中飘着类似漂白剂的刺鼻气味，是艺术家特制的“时空信号”，“这就像大航海时代船舱的消毒水味，又暗喻着历史记忆的留存与消解。”

观众脱下的鞋子（陈希茜/摄）

掀开帘子，铁网如同笼子般分割出一片独立区域，里面摆放着不锈钢椅与石膏雕塑。不锈钢长椅上，石膏像以极具张力的姿态依附其上：有的端坐椅沿，上身俯贴膝盖，双臂无力垂落触地；有的腰背悬空，上半身仰躺椅面，双脚却牢牢钉在地面；还有的抱膝蜷缩，脊椎弯成弓状，仿佛在抵御无形的压力——所有雕塑都赤裸着双脚，与观众赤足的状态形成呼应。

这些铁网围合的区域绝非隔绝的“囚笼”，观众可以自由跨过网栏步入其中，近距离观看雕塑。当脚步踏入的瞬间，身份悄然翻转：笼内的人凝视雕塑时，笼外的目光正透过网格交织而来，连同一旁的观众身影，都成了彼此视野里的“展品”。李怒介绍：“这种设计的妙处在于彻底打破了‘观看与被观看’的界限。没有谁是绝对的观察者，也没有谁是纯粹的被观察对象，铁网成了一面双向镜，让身处内外的人都成了对方视野里的一部分。”那些交错的网眼如同记忆的缝隙，让每一个身处其中的人，无论在笼内还是笼外，都成了流动叙事的一部分。

此外，现场还有多处精心设计的空间等待探索：迂回的动线中，弧形落地窗外的高楼幻化成海浪与船帆，让美术馆变身航行的巨轮；垂落的布料间，压着戈壁石头与捆扎的旧鞋，石头与鞋的堆叠仿佛凝固着无声的张力；窗台散落着透明橡胶“水滴”，尽头橡胶床垫上放置的雕塑脚与展签上“无足鸟”的意象呼应，为这场旅程写下“归途”的注脚。

用材料编织流动叙事

在李怒眼中，材料是有温度的叙事载体。在这次展览中，他用得最多的材料是橡胶，而这也与温州鞋厂有着紧密关联。他说，第一次接触温州人是在欧洲，那些奔赴全球各地打拼的温州人身上，有着一种蓬勃的生命力，这次展览他便想透过温州这一独特的视角去看世界。为筹备此次展览，他多次走访温州鞋厂，流水线中橡胶鞋底的光泽，让他想起了遥远的南美橡胶树——这种被当地人称为“流泪树”的植物，经航海贸易成为全球商品链条的一环，如今又以温州鞋的形式，继续着跨越国界的旅行。

将展览命名为“妈妈”，李怒的考量深深扎根于故土情结。在他看来，“妈妈”是故乡最亲切的代称，是漂泊者心中不变的坐标。就像那些闯荡世界的温州人，无论足迹遍布多少国家，“妈妈”所代表的故乡始终是他们回望的方向；也如橡胶从南美到温州的流转，无论跨越多少海洋，最终都在与故土相关的产业中找到新的落点。“妈妈”这个词，藏着一代人对家乡的集体记忆，是行囊里装着的家乡味，是电话里熟悉的乡音，更是所有流动轨迹最终指向的精神原乡，与展览中“从漂泊到归依”的内核形成深刻共鸣。

奋斗精神遇见艺术共鸣

开幕访谈，众人席地而坐（陈希茜/摄）

首次到访温州的北京大学教授朱青生，在开幕对谈中特别提到了温州精神与此次展览的关联。他认为，温州人身上有着典型的创造特质——只要给予机会和自由，就能迸发出强大的生命力，这与中国当代艺术所追求的开拓性不谋而合。

李怒为观众导览（陈希茜/摄）

朱青生表示，本次展览以温州为切入点，看似聚焦于这座城市的故事，实则传递出更普世的思考，而这种扎根在地又超越地域的表达，正是当代艺术最珍贵的特质。他提到，浙江人向来勤劳，温州更是充满活力，这样一场充满创造力的展览来到这里，能让观众从艺术中汲取开拓与想象的力量，与温州人骨子里的打拼精神形成奇妙共鸣。

（陈希茜/摄）

这场关于漂泊与归宿的展览将持续至2026年1月10日，期间特别准备了温州话导览音频，用乡音解读现场，让每一位参观者在熟悉的方言里，触摸到艺术与故乡交织的温度。无论是土生土长的温州人，还是在此驻足的异乡客，都能在赤足丈量的空间里、在橡胶与石膏的肌理中，找到属于自己的“妈妈”意象与归途答案。